Ins Offene

EUGENE BIRMAN (geb. 1987) ist Komponist und Schöpfer zahlreicher international ausgezeichneter interdisziplinärer Produktionen. Seine Auftragswerke und Kooperationen reichen weit über den Konzertsaal hinaus und umfassen bedeutende internationale Institutionen wie die Europäische Union, die Sonderverwaltungszone Hongkong und das US-Außenministerium.

Sein Schaffen umfasst ambitionierte, gesellschaftlich relevante Bühnenwerke, die virtuose musikalische Inhalte mit modernster Technologie verbinden. Birman hat den Einsatz großflächiger Holografie, immersiver Opernumgebungen und interaktiver digitaler Medien in der klassischen Musik maßgeblich geprägt. Seine Werke wurden als „hochemotional und dramatisch“ (BBC), „prächtig und fesselnd“ (OPERA Magazine), „atemberaubend und kontrovers“ (Business Times), „radikal und ambitioniert“ (5:4), „animalisch“ (Eesti Kultuurileht SIRP), „zwischen atmosphärisch-verstörend und brutal“ (BBC Music Magazine) sowie als „Durchbruch in der Kunst im öffentlichen Raum“ (ReNew Vision) beschrieben. Das Gulbenkian-Institut bezeichnete seine Arbeit als „Zusammenfluss aktueller globaler Fragen und höchster Schönheit“.

Birman wurde mit renommierten Stipendien ausgezeichnet, darunter das Guggenheim Fellowship (2018) und das Fulbright-Programm des US-Außenministeriums (2010-11). 2017 erhielt er den Royal Philharmonic Society Composition Prize, der ihm eine einjährige Residenz am Southbank Centre sowie eine Uraufführung mit dem Philharmonia Orchestra in der Royal Festival Hall ermöglichte. 2018 wurde er zum einzigen Artist-in-Residence des Helsinki Festivals, Finnlands größtem jährlichen Kulturereignis, ernannt. 2021 trat er die Position des Artist-in-Residence beim Manchester International Festival an.

Seine Arbeiten wurden weltweit in führenden Medien präsentiert, darunter CNN, BBC World TV, Bloomberg, National Geographic, The New York Times, Radio France, Deutsche Welle und die South China Morning Post.

Gegründet im Jahr 2002, zählt EXAUDI zu den führenden Vokalensembles für Neue Musik weltweit. Das Ensemble hat eine besondere Affinität zu den radikalen Strömungen der zeitgenössischen Musik und bewegt sich souverän zwischen Komplexität, Mikrotönalität und experimentellen Klangästhetiken.

Die neueste Neue Musik steht im Mittelpunkt seines Repertoires, und EXAUDI hat zahlreiche nationale und weltweite Uraufführungen bedeutender Komponisten realisiert – von Salvatore Sciarrino und Brian Ferneyhough bis hin zu Cassandra Miller und Jürg Frey. Ein besonderer Fokus liegt zudem auf der Förderung junger Komponistinnen und Komponisten.

Ein prägendes Merkmal der Programme von EXAUDI ist die Verbindung zeitgenössischer Musik mit Werken des Mittelalters, der Renaissance und des Barock. 2019 veröffentlichte das Ensemble seine erste rein auf Alte Musik fokussierte CD, Gesualdo Madrigali, beim Label Winter&Winter. Die Aufnahme wurde mit dem Deutschen Schallplattenpreis ausgezeichnet und zählte zu den CDs of the Year von BBC Radio 3.

Nikolaus, 1991 in Frankfurt am Main geboren, studierte Klavier an der Musikhochschule „Hanns Eisler“ sowie an der Universität der Künste Berlin. Darüber hinaus studierte er im Fach „Musikwissenschaften“ an der LMU in München. Neben seiner aktiven Klaviertätigkeit als Solist und Kammermusiker bei renommierten Festivals und Konzerthäusern hat sich Nikolaus Rexroth immer wieder dem Liedgesang gewidmet, insbesondere Liederzyklen von Ludwig v. Beethoven, Robert Schumann (Dichterliebe) und Franz Schubert (Winterreise). 

Als Musiker war er Mitbegründer der 2013 ins Leben gerufenen Russisch-Deutschen Musik Akademie. Seit dem Intensivierung und Ausweitung von leitenden Managementtätigkeit, Entwicklung und Realisierung von Projektideen, Veranstaltungskonzeptionen und künstlerischen Gestaltungen. 

Nikolaus Rexroth ist künstlerischer Leiter des Festivals „Camera Obscura: Berlin × Tbilissi“ in Georgien, des „Be@thoven-Festivals in Jekaterinburg“ und in dieser Funktion seit 2014 beim Berliner Kulturunternehmen RCCR Projects tätig. Hier war er u.a. für eine Reihe von digitalen Konzertformaten zuständig, die im Zeitraum 2020–21 über 10 Millionen Aufrufe weltweit erreichten und mit einer Vielzahl von internationalen Preisen ausgezeichnet wurden. Weitere Stationen führten Ihn u.a. zu den Bayreuther Festspielen (2019).

Seit Herbst 2022 arbeitet Nikolaus zudem im Bereich „Planung-Programmentwicklung“ bei der Karsten Witt Musik Management GmbH/CLSX.de und ist seit 2023 Gesellschafter der Konferenz Classical:NEXT.

Mit einem Repertoire, das vom Barock bis zur Gegenwart reicht, darunter Oper, Lied und Oratorium, erregt die junge schwedische Mezzosopranistin Rebecka Wallroth zunehmend internationale Aufmerksamkeit.

Zu den Höhepunkten der Saison 2023/24 zählten ihr Debüt in der Londoner Wigmore Hall im Rahmen des Associate Artist Scheme der Mozartists, ihr Debüt im DR Koncerthuset mit dem Dänischen Nationalsinfonieorchester sowie ihr Debüt mit dem Königlichen Philharmonischen Orchester Stockholm mit Sieben Liedern von Alma Mahler und als Cherubino beim Verbier Festival in einer konzertanten Version von “Le nozze di Figaro“.

Seit der Spielzeit 2023/24 ist Rebecka Wallroth ein Mitglied des Internationalen Opernstudios der Staatsoper Unter den Linden, wo sie u.a. Kate Pinkerton in Madama Butterfly und Dircés zweite Magd in Cherubinis Medea gesungen hat. Die nächsten Aufgaben dort sind Cherubino, Mercedes in „Carmen“ und Carlotta in „Die schweigsame Frau“.

Rebecka Wallroth wurde mit einem Finalistenpreis beim Queen Sonja International Singing Competition 2023 ausgezeichnet und war 2022 Gewinnerin des Gesangwettbewerbs Feruccio Tagliavini und des Karl Staud Musikpreises sowie Gewinnerin des 2. Preises des Wilhelm Stenhammar International Music Competition 2022. 2018 gewann sie den Musikwettbewerb Dalasolist.

Rebecka Wallroth studierte an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien (MDW), wo sie in der Saison 2022/23 die Rollen Olga in “Eugen Onegin“ und Idamante in “Idomeneo“ sang, beide am Schlosstheater Schönbrunn. In der Saison zuvor trat sie dort bereits als Unulfo in Händels “Rodelinda“ und Agnes in “Die verkaufte Braut“ auf.

Die aus Shanghai stammende Produzentin und visuelle Künstlerin 33EMYBW ist seit über einem Jahrzehnt ein aktives Mitglied der chinesischen Musikszene. Inspiriert von moderner Tanzmusik, Volksmusik und einem breiten Spektrum an visuellem Material, verfeinerte sie nach und nach eine Vielzahl von gemischten konzeptionellen Elementen zu einer Form, die einen sehr persönlichen Rhythmus und atemberaubende experimentelle Sounddesigns kombiniert. Ihr 2018 auf SVBKVLT veröffentlichtes Album „Golem“ wurde von der Kritik hochgelobt und von Bandcamp zu einem der besten elektronischen Alben des Jahres 2018 gekürt. Außerdem erhielt sie Unterstützung und Lob von Künstlern wie Kode9, Desto, Akito, 8ulentina und vielen anderen.

Nach den jüngsten Live-Sets beim Nyege Nyege Festival in Uganda und bei der von Aphex Twin kuratierten Eröffnung des Warehouse Project 2019 in Manchester wurde 33EMYBWs drittes Album mit dem Titel „arthropods“ Mitte Oktober über SVBKVLT veröffentlicht. Dieses Album setzt die Themen Posthumanität und Evolution fort, die sie zuvor erforscht hat, und experimentiert mit Rhythmen in einem längeren Zeitrahmen. Sie stellte das Album und ihre neue Live-Show beim Unsound Festival in Krakau vor, gefolgt von Shows in London, Mailand und Zürich im Jahr 2019. Wichtige Auftritte/Veranstaltungsorte, an denen sie gespielt hat, sind unter anderem das Haus der Kulturen der Welt (Berlin), SXSW (Austin), CTM (Berlin), Soft Centre (Sydney) und Recombinant (San Francisco).

Samir Amarouch, 1991 in Frankreich geboren, ist Komponist und Gitarrist. Er ist Preisträger der Ernst-von-Siemens-Stiftung 2020 und Stipendiat der Villa Médicis 2022-2023. Er hat mit dem Orchestre Philharmonique de Radio France, dem Orchestre National de France, dem Ensemble Modern und dem Ensemble InterContemporain zusammengearbeitet. Im Jahr 2023 gründete er S.A.M.PL.E, das Samir Amarouch Music Players Environment, um neue, seiner Kunst gewidmete Formen aufzuführen.

Die Umsetzung von Klängen aus dem natürlichen, urbanen und technologischen Umfeld ist eine der wichtigsten Quellen seiner kompositorischen Arbeit. Inspiriert von strukturalistischen, minimalistischen und spektralen Strömungen sowie von traditioneller orientalischer und elektronischer Musik, konzentrieren sich seine neuesten Werke auf die Wahrnehmung von Zeit und Rhythmus und auf die Mehrdeutigkeit zwischen Klangfarbe und Harmonie.

Anna Müller (*1992 in Berlin), einzige Tochter des Dramatikers Heiner Müller und der Fotografin Brigitte Maria Mayer. Sie hat 2017 den Herzstückverlag in Berlin mitgegründet und studiert seit 2020 Dokumentarfilm an der New York Film Academy. Ihr Debütfilm, eine dokumentarische Hommage an ihren Vater, ist ihr neuestes Projekt.

„In dem Moment, in dem du einen schönen Klang schaffst, hat sich jede Mühe gelohnt.“

Dieser Satz von Michael Barenboim (*1985) ist eine Bilanz seines bisherigen künstlerischen Wegs. Solist und Kammermusiker an Violine und Viola, Ensemblegründer, Konzertmeister des West-Eastern Divan Orchestra, Professor und Dekan: In Barenboims Arbeit stehen Vielseitigkeit und Kreativität im Vordergrund.
Seit seinem Durchbruch als Solist mit Schönbergs Violinkonzert unter der Leitung von Pierre Boulez im Jahr 2011 ist Michael Barenboim fest verankert im internationalen Konzertgeschehen und musiziert seither mit herausragenden Kollegen, darunter die Wiener Philharmoniker unter Daniel Barenboim, das Chicago Symphony Orchestra unter Asher Fisch, das Israel Philharmonic unter Zubin Mehta, die Berliner Philharmoniker unter Vasily Petrenko und das Los Angeles Philharmonic unter Gustavo Dudamel. Weiterhin arbeitete er als Solist mit Klangkörpern wie dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Orchestre Philharmonique du Luxembourg, Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Filarmonica della Scala, Philharmonia Orchestra London, Tonhalle-Orchester Zürich, Academy of St Martin in the Fields, Orchestre de Paris und dem Spanischen Nationalorchester.

Die staatlich anerkannte Barenboim-Said Akademie unterrichtet seit 2016 begabte junge Musiker:innen vor allem aus dem Nahen Osten und Nordafrika im pädagogischen Geist von Edward Said und Daniel Barenboim. Das intensive Studium setzt neben der musikalischen Theorie und Praxis einen zweiten Schwerpunkt in geisteswissenschaftlichen Themen. Die Studierenden lernen, einander zuzuhören und vor einem breiten, interdisziplinären und transkulturellen Bildungshintergrund eigene Ideen zu entwickeln. Ziel ist es, musikalisch exzellente, neugierige und reflektierte Menschen auszubilden.

Weltweit bekannte Künstler*innen bilden den Lehrkörper unserer Akademie. Neben dem Bachelor kann ein Artist Diploma in allen Orchester-Instrumentalfächern sowie Klavier und Komposition erworben werden. Das Artist Diploma bereitet als Zertifikatsstudiengang angehende Musiker:innen auf eine professionelle Laufbahn vor. Ein Master-Studiengang, ebenfalls für alle genannten Hauptfächer, ist in Vorbereitung.

Die Barenboim-Said-Akademie ist zudem durch die musikalischen Programme im von Frank Gehry entworfenen Pierre-Boulez-Saal und eine Vielzahl von Vorträgen, Symposien und anderen Veranstaltung ein lebendiger Ort für künstlerischen und intellektuellen Austausch, für internationale Begegnungen und Debatten.

Charles Baumstark ist ein französischer Komponist und Dirigent mit Sitz in Den Haag, Niederlande. Seine Musik wurzelt in der Poesie der Metaphysik und der Natur, doch findet er die Strukturen und Klangfarben seiner Werke vielmehr in den reinen Formen der Geometrie sowie in einer organischen und lebendigen Welt. Seine Kompositionen streben eine weite Bandbreite an Interpretationsmöglichkeiten an, indem sie aleatorische und improvisatorische Elemente mit unbeweglichen musikalischen Kernen verbinden – ein Spannungsfeld zwischen präzisem Notentext und völliger interpretatorischer Freiheit.

Als engagierter Förderer zeitgenössischer Musik hat Charles sowohl als Dirigent als auch als Komponist mit renommierten Ensembles wie RSNO Alchemy, dem RedNote Ensemble, der Glasgow New Music Expedition und dem Edinburgh Contemporary Music Ensemble zusammengearbeitet. Zu seinen jüngeren Projekten zählen Auftragswerke für das Residentie Orkest Den Haag, das New European Ensemble und das Faelix Baroque Ensemble.

Charles schloss sein Masterstudium am Königlichen Konservatorium in Den Haag ab und studierte zuvor Komposition und Dirigieren am Royal Conservatoire of Scotland (UK) sowie am Staatlichen Konservatorium in Rostow am Don (Russland). Darüber hinaus ist er Absolvent der Université Paris-Sud XI, wo er allgemeine Mathematik studierte.

Die in Berlin lebende Cellistin und Komponistin Julia Biłat konzentriert sich auf große Solo-Cello-Improvisationen und schafft kohärente Strukturen, in denen Körper und Stimme - zusammen mit dem Raumgefühl - eine wichtige Rolle spielen. Sie navigiert die klassische Musik mit einem sehr persönlichen Instrumentarium, das einem verklärten Cello eine Stimme verleiht.

Nach ihrem Abschluss an der Fryderyk-Chopin-Musikhochschule in Warschau begann sie eine langfristige Zusammenarbeit mit dem Jazzpianisten Daniel Schwarzwald, mit dem sie zwei Alben veröffentlichte (zuletzt Drzewo im Jahr 2021). Seit 2018 ist Julia Biłat Cellistin im Stegreif.Orchester, wo sie seit 2020 auch als Komponistin tätig ist.

www.juliabilat.com

georg blüml, geboren in münchen, studierte gesang (tenor) und ist seit 1992 als regisseur tätig. 1995 gründete er ein eigenes opern-ensemble und münchens kleinstes opernhaus in der pasinger fabrik, wo er u.a. mit „la cenerentola“ und dem „barbiere“ von g. rossini die münchener off-opernszene etablierte. blüml inszenierte zahlreiche werke des musiktheaters, u.a. am national theatre of korea, seoul (lehár: „der graf von luxemburg“), am südthüringischen staatstheater, meiningen (mozart: „le nozze di figaro“) oder strawinskys „rake's progress“ am landestheater vorpommern in stralsund.

von 1999 bis 2006 war georg blüml dozent für szenische gestaltung an der bayerischen singakademie.

2012 setzte er beim kulturwald festival erstmals ein stück des sprechtheaters in szene, hofmannsthals „jedermann“, der 2017 auch im rahmen der europäischen wochen passau aufgeführt werden wird. darüber hinaus arbeitet blüml als autor von eigenen bühnenwerken (z.b. „die herrin vierer diener“, "reimars glück und ende" 2013 bzw. 2016 uraufgeführt) und von märchen zu werken klassischer musik (etwa zu hindemiths „tuttifäntchen-suite“), sowie als sprecher beispielsweise mit dem symphonieorchester und dem chor des bayerischen rundfunks, dem wdr-sinfonieorchester oder dem konzerthausorchester berlin.

Seit 2022 ist er dozent für szenische gestaltung an der akademie für tonkunst in darmstadt.

Bowrain (1983, Ljubljana) ist ein slowenischer Komponist, Pianist und Musikproduzent. Er erhielt seine Musikausbildung am Konservatorium in Rotterdam und Amsterdam sowie an der Temple University, Philadelphia, USA. Im Jahr 2014 veröffentlichte er sein Debütalbum Far Out, 2017 folgte das Album Distracted und 2020 sein letztes Live-Album-Projekt 2020 Seconds Alive. Sein jüngstes Album mit dem Titel Not Exactly Lost wurde 2022 in Zusammenarbeit mit dem slowenischen Musiker und Maler Luka Uršič – KALU veröffentlicht. Dazu hat er mehrere Singles und EPs veröffentlicht. Er trat international in Europa, den Vereinigten Staaten und Südafrika auf.

Neben seiner eigenen Musik komponierte Bowrain auch Musik für verschiedene Werke im Bereich der bildenden und darstellenden Kunst und des Theaters. Im Oktober 2022 komponierte er Musik für den slowenischen Nationalfeiertag in Zusammenarbeit mit dem slowenischen Film- und Theaterregisseur Damjan Kozole. Zwischen 2020 und 2021 trat er im Gallus-Saal des Cankarjev-Doms in Ljubljana zusammen mit dem Pianisten und Komponisten Vollmaier auf. Im Jahr 2015 war er Performer und Komponist für das Projekt UTTER / The violent necessity for the embodied presence of hope von JAŠA, das im slowenischen Pavillon der 56. Kunstbiennale von Venedig (IT) präsentiert wurde. Bowrain lebt derzeit in Ljubljana, Slowenien.

Margarita Broich studierte Schauspiel an der Universität der Künste in Berlin. Ihr erstes Engagement hatte sie 1987 am Schauspielhaus Frankfurt am Main. Seitdem spielte sie unter anderem am Deutschen Theater Berlin, am Berliner Ensemble, an der Volksbühne und am Maxim-Gorki-Theater. Sie arbeitete in dieser Zeit unter anderem mit den Regisseuren Einar Schleef, Heiner Müller, Robert Wilson, George Tabori und Christoph Schlingensief zusammen. Außerdem wirkte sie als Schauspielerin in zahlreichen Fernseh-, Film und Hörfunkproduktionen mit. Im Jahr 2013 wurde sie für den Deutschen Filmpreis als beste weibliche Nebenrolle für Quellen des Lebensnominiert und 2016 gewann sie den Hessischen Fernsehpreis als beste Schauspielerin für Tatort Wendehammer und Aufbruch. Seit 2014 ermittelt Margarita Broich an der Seite von Wolfram Koch im Frankfurter Tatort.

Die französische Cellistin Zoé Cartier ist mit ihrer hohen musikalischen Sensibilität und ihrer kompromisslosen Suche nach künstlerischem Ausdruck eine Ausnahmeerscheinung. Nach einem erfolgreich abgeschlossenen Solo-Studium an der Hochschule für Musik „Hanns Eisler“ Berlin wurde sie für zwei Spielzeiten als Solocellistin ans Opernhaus Magdeburg engagiert. Seitdem konzertiert sie als Solocellistin und Gast diverser Ensembles, u.a mit der Kammerakademie Potsdam, dem Ensemble Resonanz und dem Solistenensemble Kaleidoskop.

Ihre künstlerische Offenheit und Neugier eröffnen ihr vielseitige Möglichkeiten für die Zusammenarbeit mit ganz unterschiedlichen Künstlern wie z.B. Tino Segal, der Choreografin Sasha Waltz und dem Theaterregisseur Falk Richter. Sie ist seit vielen Jahren in der Zeitgenössischen Musik-Szene unterwegs und arbeitet mit Musikern des Ensemble Adapter, Zaffraan Ensemble, K.N.M Berlin, Vokalsolisten Stuttgart, Zeitgenössische Oper Berlin und ist festes Mitglied im Ensemble LUX:NM.

Corey D. Cascio arbeitet tagsüber als Special Agent für ein internationales Unternehmen für elektronische Theatersteuerungen in Wisconsin und arbeitet nachts als Lichtprogrammierer und Lichtdesigner für Theater, Opern und Tanzveranstaltungen in ganz Europa. Er entdeckte seine Liebe zur Beleuchtung an der Louisiana School for Math, Science and the Arts und wurde von Mark D. Guinn an der Louisiana Tech University betreut, wo er seinen Bachelor in Lighting Design and Production machte. Seitdem hat er eine Fülle von Beleuchtungserlebnissen in Mexiko, der Karibik, der Türkei, den Kanarischen Inseln, Polen, Österreich, Aserbaidschan, Armenien, Schweden, der Schweiz, Deutschland und zuletzt 2021 für die Oper Das Rheingold in der Philharmonie Jekaterinburg in Russland geschaffen. Nachdem er 2023 das erste Into the Open Festival: Dreams beleuchtet hat, ist er begeistert, dass er für das diesjährige Festival zurückkehren kann. Er ist ausgebildeter Beleuchtungsprogrammierer und -designer und kombiniert seine technischen und künstlerischen Fähigkeiten, um Produktionen mit ästhetischen und funktionalen Qualitäten des Lichts aufzuwerten. Sein Credo ist, dass die Beleuchtung nie allein wahrgenommen werden darf, sondern die Hauptattraktion verstärken und ergänzen muss: Die Kunst.

Geboren und aufgewachsen in der deutschen Hauptstadt, entwickelte Colambo schon in jungen Jahren seine Neugierde für elektronische Musik, was zu einer vielversprechenden frühen Karriere auf Open-Air-Festivals und in der Berliner Clubszene führte. Den dynamischen Geist Berlins, der ihn stark beeinflusst hat, versucht Colambo in seiner Musik zu reflektieren. Es ist aber auch seine multikulturelle, energiegeladene und verrückte Persönlichkeit, die durch seine musikalische Leidenschaft und seine einzigartigen Sounds durchscheint und ihn mit Menschen auf der ganzen Welt verbindet. 

Colambo ist ein angesagter DJ und Produzent aus Berlin, der seit mehr als 7 Jahren auf vielen Festivals und Veranstaltungen in Ibiza, Berlin, Freiburg und Salzburg auftritt. Seine Singles Don’t Worry Boy und French Girl In KitKat stiegen 2021 in die Top 10 der Beatport Hype Charts auf. Alle seine Veröffentlichungen wurden weltweit von Radiosendern präsentiert und von vielen erfolgreichen Künstlern unterstützt. 

"Dandelion" bedeutet übersetzt so viel wie Löwenzahn oder Pusteblume. Auf der Suche nach natürlicher Leichtigkeit verkörpert das 2018 in München gegründete Ensemble Virtuosität und Spielfreude im Kontext farbenreicher Klangvielfalt, wie man sie im Bereich der Kammermusik nur bei einem Holzbläserquintett erleben kann.

Das Ensemble studiert an der HfMT München in der Kammermusik-Klasse von Prof. Reto Bieri und erhielt in der Vergangenheit u.A. Impulse von Eberhard Marschall, Andrea Lieberknecht, Eberhard Feltz, Konstantia Gourzi und Dag Jensen.

Das Dandelion Quintett konzertiert regelmäßig im In- und Ausland und war Kammermusikpartner von renommierten Künstlern wie z.B. Margarita Höhenrieder mit der es im Bibiliotheksaal Polling konzertierte. Das Dandelion Quintett ist 1.Preisträger beim internationalen Wettbewerb Ars Ventus BIMC 2019 für Holzbläserquintett, den es mit der höchsten vergebenen Punktzahl gewann.

2023 präsentiert das Ensemble gemeinsam mit dem Kollektiv Feet Become Ears eine Kammermusikreihe für zeitgenössische Musik. In diesem Rahmen vergab das Quintett zahlreiche Kompositionsaufträge an junge Komponist*innen, die es im Februar 2023 im Zentrum für interdisziplinäre Raum- und Kulturarbeit (Zirka) in München präsentierte.

Denis Davydov (geb. 1985, Taschkent, Usbekistan), ein Multimedia- und CGI-Künstler. Er hat einen BA in Design vom Tashkent Institute of Architecture and Construction (2008). In seinem ersten Studienjahr erhielt er eine Auszeichnung von Render Re, einer unabhängigen Gemeinschaft von CGI-Künstlern. Im Jahr 2012 wurde sein Projekt Units of Lust in der Gruppenausstellung der Stiftung SYE im Musée d’Art Moderne de Paris präsentiert. Nachdem er seine Karriere als unabhängiger Computergrafiker begonnen hatte, trat Davydov der Agentur N3 bei und entwickelte CGI-Inhalte für Marken wie Microsoft, CCTV, Samsung, NBC, Ford und Bloomberg. Davydovs Projekte haben mehr als 10 Adobe Behance Awards in den Kategorien Editors’ Choice und 3D Gold erhalten. Im Jahr 2020 gründete Davydov die Instigators, eine Gruppe von Kunstschaffenden und Krypto-Enthusiasten, die durch die NFT-Studie vereint sind. 

In seinen jüngsten Arbeiten erforscht Denis Davydov die Migration des symbolischen Erbes der frühen und späten Internet-Ära und eklektischer visueller Bilder Zentralasiens in die moderne Realität des Spätkapitalismus, der sich in den letzten Zügen befindet. Davydov entwickelt den Plot der rückwirkenden Nostalgie für das schnell verschwindende Bild nationaler Kulturen, vor allem usbekischer, aserbaidschanischer und tadschikischer, und interessiert sich für das Aufeinandertreffen historischer Narrative und Fiktionen kultureller Authentizität des XX Jahrhunderts und handwerklicher Tradition mit neuen Medien und der Analyse der NFT-Kultur.

Flavio de Marco (Lecce, 1975) hat seit 1997 an zahlreichen Ausstellungen in Galerien und Museen teilgenommen. Zu den jüngsten Einzelausstellungen gehören die zum Projekt Stella im Künstlerhaus Bethanien in Berlin und in der Frankendael Foundation in Amsterdam sowie in der Nationalgalerie für moderne Kunst in Rom und Figure im Palazzo dei Diamanti in Ferrara. Er hat mit mehreren Zeitschriften, Zeitungen und Radiosendern zusammengearbeitet. Im Jahr 2013 veröffentlichte er sein erstes Buch Stella. Derzeit unterrichtet er Methodologies and Techniques of Contemporary an der Brera Academy of Fine Arts in Mailand. Er lebt und arbeitet in Berlin.

Emmanouela Nikoli Dolianiti ist eine griechische Tänzerin und Choreografin, die in Berlin lebt und als Performerin in verschiedenen Tanz-, Theater-, Zirkus- und visuellen Kunstprojekten mit Sasha Waltz & Guests, Constanza Macras/Dorkypark, Romeo Castellucci, Greta Granderath & Regina Rossi, Anett Simmen, Otto Lazić-Reuschel engagiert ist. Als Choreografin arbeitete sie mit Asuka J. Riedl an der Kreation HIMIKO und mit Yuya Fujinami in Memini, das den Publikumspreis für das beste Duo 2017 beim 9. internationalen soloduo festival in Köln erhielt, und ETHEREAL, in Koproduktion mit Constanza Macras/Dorkypark und EX-teater. Neben ihrem Tanzstudium hat sie auch einen Abschluss in Philosophie, Pädagogik und Psychologie.

Dreammusics ist ein akustisches/elektronisches Hybrid-Ensemble, bestehend aus virtuosen Solisten aus den Bereichen klassische Musik, zeitgenössische Musik, Jazz, Groove und Improvisation. Es ist auf die Musik des Komponisten Alex Paxton spezialisiert und hat eine flexible Besetzung, die von einem Trio bis hin zum Sinfonieorchester reicht. Bis heute hat es drei Alben veröffentlicht und drei weitere sind bald erhältlich.

„Dirty bubble-gum…’Richard Strauss TikTok’… überschäumend, virtuos, zeitweise schön, oft ungeduldig, energisch, jugendlich, farbenfroh, lustig, chaotisch, nervig und ja, fröhliche Musik… Texturen und Stile verschmelzen mit erstaunlicher Geschwindigkeit: Cartoon-Musik, Math-Rock, Filmmusik, Free Jazz, Werbejingles, fröhliche kleine diatonische Melodien… Rokoko eines Messie-Zimmers… schwindelerregend und beeindruckend… sehr zeitgenössisch: sehr, sehr komplizierte Emotionen, die nicht weniger ernsthaft und intensiv empfunden werden… wie das Hinlegen auf eine Couch, völlig erschöpft, aber immer noch auf dem Smartphone scrollend… pure Überfülle an Neuheit und Nervenkitzel… hyper-virtuoses Herumgeblubber… post-(post-post-post-)punk-Stil… das Geräusch einer Spülung begleitend… so viel, was man in dieser Musik genießen kann… außergewöhnlich lebendig und virtuos gespielt vom Dreammusics Orchestra“ – Tempo Magazine

Meike Droste wurde 1980 geboren und wuchs in Augsburg auf.
Von 1999 bis 2003 absolvierte sie ihre Schauspielausbildung an der Otto-Falckenberg-Schule in München. 2002 wurde sie von Claus Peymann an das Berliner Ensemble engagiert, wo sie u. a. unter seiner Regie in Die heilige Johanna der Schlachthöfe von Bertolt Brecht zu sehen war. 2004 wechselte sie an das Schauspielhaus Zürich, von 2006 bis 2013 war sie Ensemblemitglied des Deutschen Theaters Berlin, wo sie eine enge Zusammenarbeit mit Jürgen Gosch verband. Für die Mascha in seiner Inszenierung von Tschechows Die Möwe erhielt sie 2009 den deutschen Theaterpreis DER FAUST.
Außerdem war sie mehrmals bei den Salzburger Festspielen engagiert, zuletzt 2014 für Die Komödie der Irrungen. Seit 2015 ist sie am Residenztheater München als Medea in Das goldene Vlies von Grillparzer zu sehen.
Seit 2013 arbeitet Meike Droste als freie Schauspielerin und steht neben ihren Theaterarbeiten auch immer wieder für Film und Fernsehen vor der Kamera.
Sie arbeitete bereits mit Regisseuren wie Jürgen Gosch, Claus Peymann, George Tabori, Robert Wilson, Leander Haußmann, Peter Zadek, Werner Düggelin, Barbara Frey, Michael Thalheimer, Stephan Kimmig, Martin Laberenz und Anne Lenk zusammen.

Das “Ensemble 2012“ bildet konzeptionell nicht nur eine interpretatorische Ensemble-Einheit, sondern versteht sich auch als eine Art Labor. Die Mischung, die Gegenüberstellung und das Kreuzen von Genres und Kunstdisziplinen ermöglichen es dem Ensemble, spannende und innovative Konzertformate zu kreieren. In ihrer musikalischen Arbeit wird das Ensemble 2012 von bedeutenden Musikerpersönlichkeiten unterstützt, welche die Arbeitsphasen als Solisten und Dozenten mitbegleiten: Thomas Zehetmair (Violine), Eberhard Feltz (Violine), Klaus Thunemann (Fagott), Wilfried Strehle (Viola), Christian Dallmann (Horn), Natalia Arsumanowa (Klavier) und Martin Wuttke (Sprecher).

Das Ensemble Zeitgeist ist in der Schweiz beheimatet und konzentriert sich auf Repertoire für Klaviertrio und Klavierquartett. Als Gewinner des ersten Paul-Juon-Kammermusikwettbewerbs im Jahr 2023 werden sie vom Förderkreis Kammermusik Schweiz unterstützt und sind in das renommierte Kammermusik-Masterprogramm der Basler Musikakademie eingeschrieben. Das Ensemble gehört zu den vielversprechendsten Kammermusikgruppen der Schweiz und wurde bereits mehrfach ins Musikdorf Ernen, zu Lavaux Classic, zum Festival Hirzenberg oder zum Schweizer Kammermusikfestival in Adelboden eingeladen. Im August 2024 werden sie in der berühmten Tonhalle Zürich auftreten.

Martin Jollet, Martin Egidi und Tim Crawford lernten sich kurz vor Beginn der Pandemieabriegelung kennen, während der sie das Glück hatten, ausgiebig zusammenarbeiten zu können. Sie verbrachten einen Großteil der Sperrzeit damit, die drei Klaviertrios von Schumann einzustudieren, und dies wurde zur Grundlage ihrer gemeinsamen Spielbeziehung. Später gesellte sich Alinka Rowe an der Bratsche zu ihnen, und es entwickelte sich schnell eine enge Zusammenarbeit bei der Arbeit an den Klavierquartetten von Fauré und Schumann an der IMS Prussia Cove. Die Zeitgeists widmen sich nun der Erkundung des Hauptrepertoires von Klaviertrio und Klavierquartett aus allen musikalischen Epochen, einschließlich moderner Komponisten wie Helena Winkelman, Michael Jarrell oder Jean-Sélim Abdelmoula. Nachdem sie alle an der Basler Musik-Akademie Solo- und Instrumental-Masterstudiengänge absolviert haben, verfolgen sie nun als Ensemble ein spezialisiertes Kammermusik-Masterstudium unter der Leitung von Anton Kernjak, Rainer Schmidt und Claudio Martinez. Von ihren Mentoren anerkannt, wurden sie ausgewählt, an mehreren Meisterkursen mit Steven Isserlis in Basel teilzunehmen. Neben dem Paul-Juon-Wettbewerb wurden sie mit Preisen beim Orpheus-Wettbewerb und dem Preis für das beste Klavierkonzert der Basler Musikakademie 2022 ausgezeichnet und erhielten damit die höchstmögliche Auszeichnung als Kammermusikgruppe.

Farhad Farzali wurde 1989 in Baku geboren und ist ein Klangkünstler, der traditionelle Kultur, populäre Ästhetik und zeitgenössische Musik miteinander verbindet, um die Situation in seinem Land zu kommentieren, das Teil der ehemaligen Sowjetunion war. Er lebt und arbeitet in Baku und betreibt anthropologische Forschung über den kulturellen Kontext Aserbaidschans und katalogisiert die markanten Formen der Neo-Folklore. 

Farhad schloss 2012 einen MFA an der Aserbaidschanischen Staatlichen Akademie der Schönen Künste in Baku ab. Er nahm an zahlreichen Gruppenausstellungen auf der ganzen Welt teil und seine Werke sind in der Sammlung des Museums für Moderne Kunst in Baku, des Aserbaidschanischen Nationalmuseums für Schöne Künste und des Yarat Contemporary Art Space vertreten.

Wer heute eine Musikhochschule verlässt, ist bestens ausgebildet, technisch brillant, hochmotiviert und künstlerisch neugierig. Gute Voraussetzungen für Orchestermusiker:innen – aber nicht genug. Denn das Berufsbild erfordert neben der Beherrschung des Instruments etwa auch die Fähigkeit, Teil einer Gruppe zu werden, seine individuelle Musikalität ins Kollektiv des Orchesters einzubringen, sich optimal und zeitökonomisch auf neues Repertoire vorzubereiten. Aus diesem Grund engagiert sich die Ferenc-Fricsay-Akademie des DSO bereits seit 27 Jahren für die Nachwuchsausbildung. Nach bestandenem Probespiel haben zehn junge Musiker:innen jeweils zwei Jahre lang die Möglichkeit, sich in der Praxis zu beweisen und die Arbeit eines professionellen Orchesters kennenzulernen und mitzugestalten: bei Rundfunk- und CD-Aufnahmen, in Symphonie- und Kammerkonzerten.

Das Klaviertrio FortVio wurde 2006 gegründet, nahm sofort eine aktive berufliche Tätigkeit auf und ist bereits für seine lebendigen und ausdrucksstarken Interpretationen bekannt geworden. Im Jahr 2006 gewannen die Absolventen der LMTA den 1. Preis beim 5. Internationalen Stasys Vainiūnas Klavier- und Kammerensemble-Wettbewerb (Vilnius, Litauen). Im selben Jahr erhielt das Trio den 3. Preis beim 13. Internationalen Johannes-Brahms-Wettbewerb in Poertschach (Österreich). Preis beim 13. Internationalen Johannes-Brahms-Wettbewerb in Poertschach (Österreich). 2008 wurde das Ensemble beim 3. Internationalen S. I. Taneev-Kammerensemble-Wettbewerb mit dem 2. Preis sowie zwei Sonderpreise erhielt. 2009 wurde das Ensemble mit der Goldenen Schallplatte des Litauischen Musikerverbandes ausgezeichnet. Im Jahr 2012 wurde FortVio aktives Mitglied der Europäischen Kammermusikakademie (ECMA) und im darauffolgenden Jahr erhielt das Trio den Großen Preis in der Kategorie Kammerensemble beim Internationalen Meisterwettbewerb für Musiklehrer in Warschau (Polen).

Martina Gedeck gehört zu Deutschlands profiliertesten und beliebtesten Schauspielerinnen. Sie absolvierte ihre Schauspielausbildung an der Universität der Künste Berlin. Ihr Theaterdebut gab sie am Frankfurter Theater am Turm, es folgten Engagements in Hamburg, Basel und Berlin. Gleichzeitig begann ihre Karriere als Filmschauspielerin.

Die Filmbranche feierte sie mit nahezu allen bedeutenden Filmpreisen vom Grimme-Preis bis zum Stern auf dem Boulevard der Stars. Vor allem Ihre Darbietung in Bella Martha, dem Oscar-prämierten Film Das Leben der Anderen, und dem Oscar-nominierten Der Baader Meinhof Komplex katapultierte sie in die Liga der internationalen Großproduktionen, wo sie an der Seite von Matt Damon, Jeremy Irons oder Helen Mirren spielte. Zuletzt brillierte Martina Gedeck in der österreichischen Literaturverfilmung Die Wand und mit Klaus Maria Brandauer in Die Auslöschung.

Martina Gedeck ist Mitglied der Europäischen Filmakademie, der Deutschen Filmakademie, der Akademie der Darstellenden Künste sowie Trägerin des Bayerischen Verdienstordens und des Chevalier des Arts et des Lettres.

Loup Godfroy ist ein dynamischer, junger Schlagzeuger und Improvisator aus Frankreich, der sich darauf spezialisiert hat, Klänge in rohe Energie und tranceartige Zustände zu verwandeln. Beeinflusst von legendären Persönlichkeiten wie Paul Motian, Ramón López, Tony Buck (The Necks), Dré Pallmaerts und Sylvain Darrifourcq ist sein Spiel offen, organisch und ausdrucksstark.

Als Klang- und Bewegungsarchitekt kanalisiert Loup seine Entschlossenheit, das Orchester durch sein Instrument zum Klingen zu bringen. Er ist ein aktiver Performer in verschiedenen Ensembles, darunter das Orchestre National de Jazz des Jeunes, SCP-055, Focus Pocus und sein eigenes Nonett Une Bande d’Errants – ein kollaboratives Projekt mit ehemaligen Kommilitonen des Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP), an dem er kürzlich sein Studium abgeschlossen hat.

Loup hat seine Fähigkeiten unter der Anleitung namhafter französischer und amerikanischer Musiker wie Simon Goubert, Manhu Roche, Steve Argüelles, Joe Quitzke, Ralph Peterson, Bob Moses, Luther Gray und Bob Gullotti geschärft. Darüber hinaus ist er Teil von Medinea, einem interkulturellen Austauschprogramm unter der Leitung von Fabrizio Cassol (Aka Moon), in dem er sowohl als Musiker als auch als Komponist tätig ist.

Ashley Kaylynn Green (Charleston, SC) begann ihre Ausbildung bei Columbia City Jazz, wo sie ihre Liebe zum Tanz entdeckte. Sie wurde in einer Vielzahl von Stilen ausgebildet, darunter Ballett, Modern, Jazz, Stepp und Hip-Hop. Im Jahr 2020 erhielt Frau Green ihren BFA in Tanz von der Point Park University in Pittsburgh, Pennsylvania, unter der Leitung von Garfield Lemonius. Dort führte sie Werke von Peter Chu, Aszure Barton, Kyle Abraham und Darrell Grand Moultrie auf. Nach ihrem Abschluss schloss sie sich Whim W'Him Seattle Contemporary Dance an, wo sie einen Princess Grace Award in Dance erhielt. Frau Green wurde 2021 Mitglied der Compagnie und wurde in diesem Jahr vom Dance Magazine zu einer der "25 to Watch" ernannt.

Tamisha A. Guy, gebürtig aus Trinidad und Tobago, begann ihre formale Tanzausbildung bei Ballet Tech unter der Leitung von Eliot Feld. Später besuchte sie die Fiorello H. LaGuardia High School und das SUNY Purchase College mit den Hauptfächern Tanz und Kunstmanagement. Im Jahr 2013 schloss Guy ihr Studium am SUNY Purchase College mit Auszeichnung ab und trat kurz darauf der Martha Graham Dance Company bei. Im Jahr 2016 wurde Guy als eine der “Top 25 to Watch“ des Dance Magazine ausgewählt und erhielt außerdem den Princess Grace Award 2016. Im Jahr 2017 wurde sie von Dance Europe zu einer der besten Tänzerinnen des Jahres ernannt. Im Jahr 2021 erhielt sie den Vilcek Prize for Creative Promise in Dance 2022. Tamisha tanzt derzeit bei A.I.M. unter der künstlerischen Leitung von Kyle Abraham und ist Dozentin für Tanz am Barnard College.

Halosaur, alias Stephane Lefrancois, ist ein französischer Musikproduzent, Schlagzeuger, Live-Performer und DJ, der derzeit in Berlin lebt. Er betreibt ein Studio in der Gaswerksiedlung und widmet einen großen Teil seiner Zeit dem Unterrichten von modularer Synthese und Schlagzeugspielen. Er hat auf renommierten Labels wie R&S, !K7, KMS, Classic Music Company und anderen veröffentlicht. Seine Vorliebe für Kollaborationen hat Stephane in viele Richtungen geführt, die jüngste ist das Maracuja-Projekt, bei dem er mit zwei seiner inspirierenden Partner, Sarkis Ricci und Elle Holgate, ansteckende, erhebende Afro-Beat-Vibes erforscht.

Saulė Buikaitė (Violine)
Monika Dargytė (Violine)
Rūta Buišaitė (Viola)
Vaiva Sodaitytė (Cello)

Das Helio String Quartet lernte sich zu Beginn seines Studiums an der Litauischen Akademie für Musik und Theater kennen und spielt seit 2022 als Ensemble zusammen. Das Quartett studierte in der Kammermusikklasse der assoziierten Professorin Ingrida Rupaitė und begann sofort, aktiv an verschiedenen Veranstaltungen teilzunehmen. Nach nur drei Monaten gemeinsamen Musizierens wurde das Ensemble beim 21. Internationalen Kammermusikwettbewerb litauischer Komponisten (Dezember 2022) mit dem dritten Preis ausgezeichnet. Außerdem wurden sie vom Leiter der Kammermusikabteilung der LMTA, Professor Rimantas Armonas, ausdrücklich eingeladen, bei Preisverleihungen an der LMTA zu spielen. Darüber hinaus nutzt das Quartett jede Gelegenheit, um bei Konzerten oder Meisterkursen aufzutreten, und hat bereits an Vorträgen von Petr Prause, Vida Vujic und Evan Rothstein teilgenommen sowie in mehreren Konzerten an der Litauischen Akademie für Musik und Theater und im Chodkevičiai-Palast (2022, 2023) gespielt.

Christopher Hönninger (geb. am 8. Oktober 1992), beruflich bekannt als Crozer, ist ein peruanisch-deutscher Digitalkünstler und technischer Filmregisseur, Fotograf und Kameramann. Er nutzt verschiedene Medien, um unbewegte und bewegte Bilder zu schaffen. Er begann seine digitale oder Internetpräsenz mit der Veröffentlichung einer Reihe von Adobe-Photoshop-Plugins, die eine schnelle Anwendung von Filtern und grafischen Änderungen auf Standbilder ermöglichten. Obwohl sie nichts miteinander zu tun haben, wirkten sie wie Vorläufer der späteren Snapchat- oder Instagram-Filter. Seit ihrer Veröffentlichung im Jahr 2012 waren die Plugins zwei Jahre in Folge die meistverkauften Photoshop-Plugins auf dem internationalen Markt. Heute arbeitet er als technischer Filmregisseur für Spielfilme und Serien und als unabhängiger digitaler Künstler.

Die IEMA als Ausbildungsstätte des Ensemble Modern wurde 2003 mit dem Ziel gegründet, das musikalische Erbe weiterzutragen und neue Wege des zeitgenössischen künstlerischen Schaffens zu fördern. Die IEMA bietet unterschiedlichste Ausbildungsprogramme für verschiedene Zielgruppen: internationale Meisterkurse, die International Composer & Conductor Seminars, Education-Projekte und einen Masterstudiengang im Bereich Zeitgenössische Musik in Kooperation mit der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt (HfMDK).

Naïssam Jalal ist eine Flötistin und produktive Komponistin, die mit ihren verschiedenen Gruppen ein persönliches und lebendiges musikalisches Universum entfaltet, das sowohl inhaltlich als auch formal dem Wort Freiheit seine volle Bedeutung zurückgibt.

Gewinnerin der Victoires du Jazz 2019, nominiert für die Victoires du Jazz 2018 und 2021, „Coup de Cœur 2017″ der Académie Charles Cros, Groupe Révélation Citizen Jazz 2017, Gewinnerin des Prix des Musique D'ICI- Diaspora Music Awards 2020.

Es kommt vor, dass durch zufällige Begegnungen, zufällige Anwesenheit an einem Ort, auf einem Gebiet, die Dringlichkeit einer politischen Situation, das Bedürfnis, Musik zu machen, um etwas zu sagen oder zu leben, empfunden wird. Also wird Musik gemacht, und alles, was von diesen flüchtigen Abenteuern bleibt, sind ihre aufgezeichneten oder gefilmten Spuren. Hier versammeln wir einen Teil der Musik, die zu sehen und zu hören ist.

Yessaï Karapetian (*1993 in Jerewan, Armenien) ist ein vielseitiger Musiker und Performer, der mit einem ambitionierten Ansatz zeitgenössischen Jazz zwischen New York, Paris und Jerewan neu definiert.

Aufgewachsen in Marseille, erhielt Yessaï ab sechs Jahren eine klassische Klavierausbildung und lernte traditionelle armenische Flöten. Als Jugendlicher begann er Jazz zu studieren und für seine erste Band ONEFOOT zu komponieren, deren Debütalbum Mektonized (2017) von NextBop als „Grenzgänger auf Crack“ beschrieben wurde. Der Stil verbindet modernen Jazz, elektronische Musik und armenische Traditionen.

Nach seinem Abschluss am Conservatoire de Paris (2019) erhielt er ein Vollstipendium am Berklee College of Music, wo er 2020 seinen Master in Contemporary Performance (Global Jazz Institute) erwarb. Unter Mentoren wie Danilo Perez und Joe Lovano gewann er zwei DownBeat Awards und den LetterOne RISING STAR Jazz Award.

2022 veröffentlichte er mit seinem Quintett das Album YESSAÏ und tourte u.a. bei Jazz à La Défense, Love Supreme Fest und Jazzopen Stuttgart. 2023 folgte sein Soloalbum Ker u Sus und eine Nominierung für die Victoires de la Musique. 2024 wird Yessaï Teil von Tigran Hamasyans Quintett für dessen neues Album The Bird of a Thousand Voices.

Der Bass Lukasz Konieczny aus Lodz, Polen, absolvierte sein Gesangsstudium an der Musikakademie Breslau und ergänzte seine Ausbildung durch Meisterklassen namhafter Sänger und Pädagogen sowie Schauspielkurse. Von 2011 bis 2019 war er festes Ensemblemitglied der Deutschen Oper am Rhein. Sein Repertoire umfasst diverse Rollen von Mozart über Verdi bis Wagner und wichtige Basspartien in Konzertwerken. Er trat international auf, u.a. bei renommierten Opernfestspielen. Konieczny wirkte an verschiedenen CD-Einspielungen mit und wurde für seine Leistung für den polnischen Fryderyk-Preis 2022 nominiert. Zuletzt war er in verschiedenen Opernproduktionen weltweit zu sehen. Zukünftige Engagements beinhalten Auftritte in Verdis "Rigoletto" und "Requiem" sowie eine Serie von Schuberts "Winterreise".

Eloïse Labaume ist eine vielseitige Harfenistin und Vokalistin, die sich intensiv in der zeitgenössischen Musikszene engagiert. Sie gründete gemeinsam mit dem Komponisten Aurélio Edler-Copes die künstlerische Compagnie Bazar Electrique, aus der das Festival Live-Bazar hervorging. Das Festival, das 2025 in seine vierte Edition geht, spiegelt ihre Leidenschaft für interdisziplinäre Zusammenarbeit wider. Eloïse wurde am Konservatorium Musikene, der Hochschule der Künste Bern und dem CNSM in Paris ausgebildet und hat mit renommierten Orchestern wie dem Orchestre de Strasbourg und dem Orchestre National d’Espagne gearbeitet sowie in bedeutenden Konzertsälen wie den Philharmonien von Paris und Köln, der Opéra Bastille und IRCAM aufgetreten.

Ihre Karriere umfasst Soloauftritte, Kammermusik und Ensemblearbeit, darunter Kooperationen mit dem Ensemble Intercontemporain, dem KlangForum Wien und dem Plural Ensemble Madrid. Eloïse setzt sich dafür ein, die Grenzen der Harfenperformance zu erweitern, und entwickelt innovative Projekte, die Musik mit Theater, Gesang und Improvisation verbinden. Sie hat über 30 Werke uraufgeführt und wird 2025 ihr erstes Soloalbum veröffentlichen, das sich auf Musiktheater für Harfe und Stimme konzentriert. Zudem unterrichtet sie am CRD de Bobigny und am CMA 14 in Paris.

Zoé Lakhnati ist eine in Brüssel lebende choreografische Künstlerin. Sie machte 2019 ihren Abschluss in klassischem Tanz am Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon und 2022 am P.A.R.T.S.

Zoé arbeitet als Tänzerin/Performerin mit Choreographen wie Mette Ingvartsen, Leïla Ka und Némo Flouret zusammen und hat als Assistentin mit Robyn Orlin und Dimitri Chamblas gearbeitet. Im Jahr 2021 gründete sie das Laboratorium De l'impertinence in Sète in Zusammenarbeit mit Dora Pentchev und choreografierte das Duett Where the fuck am I? mit Per-Anders Kraudy Solli.

Martynas Levickis, der von der britischen Zeitung Independent als “unfassbar talentiert“ und „der Mann, der das Akkordeon im Alleingang neu erfindet“ bezeichnet wurde, ist einer der weltweit führenden Vertreter dieses Instruments. Martynas Levickis ist für seine Virtuosität und Vielseitigkeit im klassischen und zeitgenössischen Repertoire bekannt und wurde mit mehr als 30 internationalen Auszeichnungen geehrt. Sowohl als Solist als auch in Zusammenarbeit mit international renommierten Instrumentalisten und Orchestern zieht Martynas mit seiner Musikalität, seinem Charisma und seinen dynamischen Auftritten das Publikum weltweit in seinen Bann.

Martynas Levickis nennt sein Instrument gerne eine „Zauberkiste“. Und es stimmt: Wenn sich der litauische Musiker sein Akkordeon umschnallt und zu spielen beginnt, verstummt das Publikum oft wie gebannt, als würde es einer verblüffenden Zaubershow beiwohnen. Die Klangwelten, die Levickis aus seiner „Trickkiste“ zu entlocken vermag, sind in der Tat ebenso vielfältig wie unerwartet und meisterhaft. Levickis ist ein Mann mit einer einzigen Mission: Seinem ewig unterschätzten Instrument endlich den Ruhm zu verschaffen, den es verdient. Und er könnte kaum erfolgreicher sein.

Boram Lie, in Marburg geboren, studierte Violoncello an der Universität der Künste Berlin bei Wolfgang Boettcher und Jens-Peter Maintz. Zahlreiche Meisterkurse im In- und Ausland komplettierten ihre Ausbildung. Wichtige Impulse erhielt sie von Menaham Pressler und Heinrich Schiff. Sie war Mitglied des Gustav-Mahler-Jugendorchesters 2003/04 unter Claudio Abbado und Pierre Boulez. 

Seit 2006 ist sie Mitglied des Solistenensemble Kaleidoskop. Mit Kaleidoskop, welches sich von einem der profiliertesten jungen Kammerensembles zu einem vielseitigen Künstlerkollektiv entwickelt hat, spielt sie bei renommierten nationalen und internationalen Musik- und Theaterfestivals wie Holland Festival, Sydney Festival, Tongyeong International Music Festival, Operadagen Rotterdam, Foreign Affairs Festival Berlin, Ruhrtriennale ua.

Seit 2019 hat sie die künstlerischen Leitung des Solistenensemble Kaleidoskop inne und kuratiert zahlreiche Programme an der Schnittstelle von Konzert, Performance und Musiktheater.

Von denjenigen, die die Gelegenheit hatten, seine Live-Performances mitzuerleben, wird er oft als Zauberer, Magier oder Maestro bezeichnet, während er in der elektronischen Musikszene in den letzten Jahren zweifellos einer der angesehensten Produzenten und Interpreten ist, egal aus welcher Perspektive für den Hörer. Wir haben einen außergewöhnlichen Künstler mit einem starken musikalischen Hintergrund vor uns, den Niederländer Koos Ludwig, besser bekannt als Ion Ludwig, der im Alter von 10 Jahren klassische und elektronische Gitarre studierte und mehrere afrikanische Perkussionskurse belegte, bevor er um das Jahr 2000 in die Techno- und House-Musik eingeführt wurde und 2003 mit der Produktion begann.

Während seines kreativen Prozesses erweiterte er seine Inspirationsquellen, musikalisch durch frühe Minimal-Techno-Künstler wie Villalobos, Herbert und Jonson, aber auch durch die Leidenschaft und Neugier, die ihn auf seinen Reisen durch die Kontinente antreibt. Die Musik von Ion Ludwig ist heute eine Sprache für die Menschheit, ein tiefgründiger minimaler und symphonischer Klang mit melodramatischen Gefühlen, eine Frucht der Forschung, die darauf ausgerichtet ist, sowohl Komplexität als auch Einfachheit zu kombinieren, eine subtile Melodie, die sich in einem Frequenzkanon arrangiert, um eine Vision für den Hörer zu schaffen, einen echten musikalischen Ausdruck und eine emotional ansprechende Erfahrung.

Mikroorkéstra wurde 2015 von dem Akkordeonisten Martynas Levickis gegründet. Das junge und einzigartige Kammerorchester besteht aus herausragenden Musikern aus Litauen, die dynamische Auftritte auf höchstem internationalen Niveau bieten. Es verkörpert die jugendliche Energie und kreative Kunstfertigkeit seines Gründers.

Alle Musiker des Orchesters wurden von Martynas Levickis handverlesen, und neben ihrer Arbeit mit Mikroorkéstra sind viele von ihnen auch bei der Kremerata Baltica, der Baltischen Jugendphilharmonie und dem Litauischen Kammerorchester tätig. Die Mitglieder sind Absolventen der Litauischen Musik- und Theaterakademie und Preisträger zahlreicher internationaler Wettbewerbe.

Mit einem breiten und abenteuerlichen künstlerischen Horizont hat das Orchester eine Reihe bahnbrechender Projekte entwickelt.

Diana Mukhamedshina ist eine hochqualifizierte Tänzerin und Performerin, die sich auf zeitgenössischen Tanz spezialisiert hat. Ihre formale Ausbildung begann sie 2011 am Kemerovo Regional College of Culture and Arts und setzte diese 2012 am Nischni Nowgoroder Regional College of Culture and Arts fort. Im Jahr 2014 schloss sie ihr Studium am Moskauer Staatlichen College für Kultur und Kunst ab und ist derzeit Studentin an der Moskauer Staatlichen Universität für Kultur und Kunst, wo sie zeitgenössischen Tanz studiert.

Diana hat sowohl in Russland als auch international eine umfassende Ausbildung absolviert. 2014 absolvierte sie ein Praktikum an der Royal Academy of Dance in London und setzte ihre Weiterbildung fort, indem sie an Workshops und Intensivkursen bei weltweit renommierten Choreografen wie Yaniv Abraham, Guy Shomroni, Eyal Dadon und Ohad Naharin an der Batsheva Dance Company teilnahm.

Seit 2018 ist sie eine Haupttänzerin im Moskauer Balletttheater. Außerdem war sie als Assistentin des Choreografen in Produktionen wie Singularity von Kirill Radev und On Nature von Vladimir Varnava am Stanislawski- und Nemirowitsch-Dantschenko-Musiktheater in Moskau tätig. In den Jahren 2022-2023 wirkte sie in den Dreharbeiten zur russischen Dramaserie Ballet mit.

Dianas Leidenschaft für den zeitgenössischen Tanz, kombiniert mit ihrer umfangreichen Bühnenerfahrung, hat sie zu einer bedeutenden Persönlichkeit in der russischen Tanzszene gemacht.

Kateryna Nikolenko (geboren am 10. Juni 1990 in Kiew, Ukraine) erhielt 2013 eine Kunstausbildung an der Universität für angewandte Kunst und Design in Kiew. Sie studierte in der Abteilung für monumentale und dekorative Malerei. Der führende Lehrer für das Fach Komposition Oleksandr Oliynyk hat in Kate die Fähigkeit geweckt, zu phantasieren, Bilder zu denken und sie in eine Komposition umzusetzen. 

Ihre Themen sind so vielfältig wie die Art, wie sie dargestellt werden. Meist symbolische, konzeptuelle, surrealistische Kompositionen, die sich mit der Psychologie der Menschen untereinander und ihrer Interaktion mit der Natur befassen.

Nikolyas Kompositionen spiegeln auch ihre inneren Gefühle wider, etwas düster und nicht optimistisch, aber mit dem Glauben, das diese Kunst ein Recht hat zu sein und zu leben. Seit 2013 hat Kate an staatlichen ukrainischen Ausstellungen, Wettbewerben und thematischen Ausstellungen teilgenommen. Im Jahr 2019 hat sie eine persönliche Ausstellung mit dem Titel Images im Studio Master Class präsentiert. 

Aufgrund des Krieges in ihrem Heimatland musste sie dieses verlassen und lebt seit März 2022 in Berlin.

Die Orchesterakademie der Staatskapelle bei der Staatsoper Unter den Linden hat seit vielen Jahren einen beachtlichen Erfolg. Seit ihrer Gründung im Jahr 1997 auf Initiative von Daniel Barenboim haben mehr als 30 ehemalige Akademiemitglieder den Sprung ins große Orchester geschafft, viele weitere haben in anderen renommierten Orchestern weltweit Fuß gefasst. Voraussetzung ist ein sehr praxisorientiertes Ausbildungsprogramm, das sich über zwei Jahre erstreckt und den jungen Musikern eine Vielzahl von Perspektiven eröffnet. Vom ersten Tag an werden die KandidatInnen intensiv in den Proben- und Aufführungsprozess eingebunden, sei es in Oper, Ballett und Konzert oder bei Gastspielen. So können sie den Alltag in der Staatskapelle hautnah erleben. Von erfahrenen Kollegen und Kolleginnen zu lernen, von ihren Erfahrungen zu profitieren und immer wieder neue Anregungen zu erhalten, ist für den Übergang ins Berufsleben von entscheidender Bedeutung. An einem Tag im Orchestergraben der Staatsoper zu spielen und am nächsten Tag auf dem Podium eines renommierten Konzertsaals zu stehen, gehört zu den Schlüsselerlebnissen, die die Orchesterakademie zu bieten hat. Eigenständige Kammerkonzerte im Apollosaal der Staatsoper sowie an anderen Orte, die von engagierten Mentoren betreut werden, fördern die künstlerische Entwicklung und den Zusammenhalt des Orchesters als Gruppe. Hinzu kommen Einzel- und Gruppenunterricht, Workshops, Probespielvorbereitungen und individuelles Mentaltraining, um die Herausforderungen des Berufes zu meistern. Die charakteristische Klang- und Spielkultur der Staatskapelle wird an die nächste Generation weitergegeben, und im Gegenzug werden die Mitglieder der Staatskapelle mit neuen Impulsen des musikalischen Nachwuchses in Berührung gebracht.

Die Saison 2024/25 markiert das Debüt der Pianisten Pavel Kolesnikov und Samson Tsoy als Duo in der Bozar in Brüssel, der Saffron Hall, dem Festival Bach de Montreal sowie ihre Rückkehr in das Muziekgebouw in Amsterdam und die Wigmore Hall. Diese Auftritte folgen auf ihre letzten Konzerte in der Carnegie Hall, dem Konzerthaus in Berlin, dem De Doelen in Rotterdam und dem Muziekcentrum de Bijloke in Gent.

Im Jahr 2024 veröffentlichten sie ihr Debütalbum als Duo bei Harmonia Mundi, das Werke von Schubert und Desyatnikov enthält. Das Album erhielt begeisterte Kritiken in The Guardian, Gramophone Magazine, Le Monde und wurde vom BBC Music Magazine als „magisch“ bezeichnet. Es wurde zudem mit dem prestigeträchtigen 'Diapason D'Or' ausgezeichnet. Ihr nächstes Studioalbum wird 2025 erscheinen.

Für beide Künstler ist der Raum und das Setting ein entscheidendes Element ihres Musikschaffens. Während der Pandemie führten sie Messiaens „Visions de l’Amen“ in einem ehemaligen Parkhaus in London (Bold Tendencies) auf. 2023 brachten sie Konzerte im historischen Jubilee Theatre in Aldeburgh zurück, bei denen sie das Publikum auf der Bühne platzierten und Bach sowie Kurtág auf aufrecht stehenden Klavieren in den Zuschauerreihen spielten. Weitere Präsentationen umfassen Prokofjews „Cinderella“ in der Ladebucht des Muziekgebouw und Auftritte in Galerien in ganz Europa.

Als „Klaviermagier“ beschrieben von The Arts Desk, leben und arbeiten Pavel und Samson seit ihren frühen Studientagen zusammen. 2019 gründeten sie das Ragged Music Festival, das einen reduzierten Raum für Künstler bietet, um einen Dialog zwischen Musik, Architektur und bildender Kunst zu erkunden. Ursprünglich im Ragged School Museum in London angesiedelt, hat das Festival 2023 seine erste internationale Ausgabe im Muziekgebouw Amsterdam gefeiert. In den letzten vier Jahren begrüßte es Künstler wie Hélène Binet, Antoni Malinowski, Eva Vermandel, Alina Ibragimova, Elisabeth Leonskaja, Mark Padmore, Lawrence Power, Elena Stikhina und das Doric String Quartet. Das Festival wurde 2021 für den South Bank Sky Arts Award nominiert.

Alex Paxton (*1990) ist ein preisgekrönter Komponist und Jazz-Posaunist, bekannt für seine genreübergreifende, energiegeladene Musik. Er wird als „hyperkinetischer, regenbogenfarbener Klangzauber“ (Financial Times) und „der freudigste Klang, den ich seit langem gehört habe“ (New York Times) beschrieben. Seine Werke, veröffentlicht bei Ricordi Berlin, werden weltweit von führenden Orchestern und Ensembles aufgeführt. Paxton wurde mit renommierten Preisen wie dem Ivor Novello Award, dem Ernst von Siemens Komponistenpreis, dem Paul Hindemith Preis und dem Royal Philharmonic Society Prize ausgezeichnet – Ehrungen für seinen innovativen, grenzenlosen Stil.

Er hat drei vielgelobte Alben veröffentlicht: MUSIC for BOSCH PEOPLE, iLOLLI-POP und HAPPY MUSIC for ORCHESTRA. Seine Kompositionen verbinden klassische, jazzige und elektronische Einflüsse zu einer spielerischen, farbenfrohen Klangwelt, die von der Times als „Orchestermusik des 21. Jahrhunderts in Bestform“ gefeiert wird. Paxtons Musik ist ein Fest der Freude, des Chaos und der ungezügelten Kreativität.

Das Pelargos Quartet wurde 2016 gegründet und besteht aus den Geigerinnen Stephanie van Duijn und Kaja Majoor, der Bratschistin Anna Jurriaanse und dem Cellisten Diederik Smulders. Alle Mitglieder haben kürzlich ihr Studium am Royal Conservatoire in Den Haag und am Conservatorium van Amsterdam abgeschlossen.

Das Pelargos Quartet hat eine natürliche Leidenschaft für das traditionelle Streichquartett-Repertoire, zeigt aber auch großes Interesse an moderner und zeitgenössischer Musik. Sie spielen sehr gerne Quartett und es nimmt einen großen Stellenwert in ihrem Leben ein. Pelargos tritt regelmäßig in Den Haag und in ganz Niederlanden auf. Sie haben Konzerte in bekannten Sälen wie der Nieuwe Kerk in Den Haag, Tivoli Vredenburg in Utrecht und der Westergasfabriek in Amsterdam gegeben. Während ihres Studiums am Royal Conservatoire wurde das Quartett von der Bratschistin Ásdís Valdimarsdóttir sowie den Geigern Janet Krause und Peter Brunt gecoacht.

Zudem erhielt Pelargos Meisterkurse von allen Mitgliedern des Quatuor Danel und des Cuarteto Casals. Durch NSKA nahmen sie an mehreren Meisterklassen teil und waren 2019 bei den Kamermuziekdagen Zeist, wo sie viele Unterrichtseinheiten und Konzerte hatten. Im Juni 2019 führte Pelargos das Helicopter String Quartet von Karlheinz Stockhausen beim Holland Festival in Amsterdam auf, als Teil des Opernzyklus „aus Licht“. In vier separaten Hubschraubern flogen die Musiker über Amsterdam und spielten dabei. Das Publikum verfolgte die Aufführung live aus der Westergasfabriek. Dies war ein großes Highlight, es war extrem aufregend für uns, Teil eines so riesigen und inspirierenden Projekts zu sein.

Das Q Ensemble Berlin ist eine internationale Gruppe von Musikern, die sich 2019 im inspirierenden Chaos der deutschen Hauptstadt zusammengefunden hat. Ihr primäres Ziel ist eine innovative Interpretation Alter Musik, sowohl in Form von Kollaborationen mit Künstlern aus anderen Disziplinen (Theater, Video, Tanz) als auch durch die thematischen Verbindungen, die sie zwischen dem Repertoire der Vergangenheit und der heutigen Welt herstellen.

Von Anfang an hat das Ensemble besonderen Wert auf den experimentellen und forschenden Charakter seiner Konzerte gelegt. Sie versuchen, ästhetischen Genuss mit einer kritischen Reflexion der Aufführungspraxis der Vergangenheit zu verbinden, die ein Produkt spezifischer historischer und kultureller Umstände ist. Durch diesen historisch informierten Ansatz möchte das Q Ensemble eine neue Ebene des Verständnisses des Repertoires des 17. und 18. Jahrhunderts erschließen und dabei Themen ansprechen, die die heutige Gesellschaft betreffen, indem es die Art und Weise, wie diese Musik präsentiert wird, neu erfindet.

Die Musiker des Q Ensembles haben sich an führenden europäischen Institutionen wie der Schola Cantorum Basiliensis, der Universität der Künste Berlin, den Konservatorien von Den Haag und Amsterdam sowie dem CNSMD Paris auf Alte Musik spezialisiert und in renommierten Orchestern wie der Akademie für Alte Musik Berlin, dem Collegium 1704, Anima Eterna Brugge, dem Orchestra of the Age of Enlightenment und Holland Baroque gespielt. Die Mitglieder des Q hatten die Gelegenheit, mit anerkannten musikalischen Persönlichkeiten wie Sigiswald Kuijken, Midori Seiler, Jos van Immerseel, Vaclav Luks, Richard Egarr, Kate Clark und Michael Chance aufzutreten und mit Regisseuren wie Pierre Audi, Alexander Oliver und Andrea Raabe zu arbeiten. Die Q-Mitglieder sind auch an anderen Projekten beteiligt, in denen sie ihre eigenen Interessen vertiefen, wie z. B. der Organisation des Alte Musik Festes Friedenau, der Leitung des jungen Orchesters für Alte Musik Weimar Baroque, der Lehrtätigkeit am Opernstudio und am Konservatorium von Amsterdam, dem Bau und der Erforschung der Geschichte des Clavichords und der Erforschung seiner Zukunft, der Kombination der Laute mit elektronisch erzeugten Klängen, der Aufführung und Erforschung von Musik weniger bekannter historischer Komponistinnen und der Zusammenarbeit mit einem DJ, um das Barockcello in einem anderen Licht zu betrachten.

Viktoriia Vitrenko, Sopran
Claudia Van Hasselt, Mezzosopran
Alexey Kokhanov, Bariton
Nicholas Isherwood, Bass

Wagst du dich hinunter in den Kaninchenbau?
Eine Welt neuer Musik erwartet dich, wenn vier Sänger:innen, die ebenso Mozart wie zeitgenössische Werke und Extended Voice-Premieren singen können, die Grenzen des stimmlichen Ausdrucks erkunden. Mit ihrer kollektiven Erfahrung aus Jahren des Interpretierens von Musik unserer Zeit entsteht eine reiche Palette von Techniken, die die Möglichkeiten der menschlichen Stimme erweitern. Wie die Königin in „Alice im Wunderland“ sagt: „Manchmal habe ich schon vor dem Frühstück an sechs unmögliche Dinge geglaubt.“

Improvisation spielt eine wichtige Rolle im Kaninchenbau. Unser Ziel ist es nicht nur, die Stimme als Instrument zu etablieren, sondern auch ihre Individualität und Einzigartigkeit zu entdecken, indem wir neue Möglichkeiten der vokalen Improvisation als Vokalquartett erforschen. Unsere weltweite Erfahrung mit Vokalmusik fließt in diesen Prozess ein, der stets von Brüderlichkeit/Schwesterlichkeit geprägt ist und niemals ausbeuterisch.

Wir werden „immer neugieriger und neugieriger“.

Seit 2009 ist Dani in der Szene aktiv und trat an der Seite von Luciano, Martin Buttrich, Seth Troxler, Nick Warren, GUTI, Move D, Hiroko Yamamura, Damian Lazarus und Priku bei Veranstaltungen im Pacha auf Ibiza, Circoloco in Cartagena, BPM in Costa Rica, SONAR in Argentinien, Watergate, CDV, Hoppetosse und vielen anderen auf. Sie ist auf der ganzen Welt aufgetreten, von Kolumbien, Uruguay, Argentinien, USA bis Spanien, Frankreich und Deutschland. Sie fand ein Zuhause in Berlin, wo Dani das Lacroix Music Studio gegründet hat. In diesem Studio entstanden Danis Originalproduktionen, die später auf Planet e, Kindisch, Vatos Locos, Sound of Berlin, Sweatbox und La Marquise veröffentlicht wurden. 2022 hatte sie 3 Veröffentlichungen, mit Vatos Locos, auf dem Chicagoer Label Sanbolsa in einer Kollaboration mit SBAI und einem Remix von CHKLTE, und die dritte Veröffentlichung ist auf ihrem eigenen Label Cachonda Records erschienen mit einem Remix von TRIPASTAZ.

1981 in Salzburg geboren, wuchs Boris Randzio in Berlin auf. Nach dem Abitur am Goethe Gymnasium Berlin studierte er von 1991 bis 2001 an der Tanzakademie Berlin Ballett. 2002 erhielt er sein Bühnentanzdiplom in Mannheim. Als Tänzer wirkte er an namhaften Opernhäusern und war von 2009 bis 2020 Solist am Ballett am Rhein der Deutschen Oper am Rhein. Internationale Auftritte folgten in Paris, Tel Aviv, Moskau, Tokio und Madrid.

Mit Felix Strasser gründete er 2004 das Freie Theater VADA in Kärnten, wo er eigene Choreografien und Schauspielrollen entwickelte. Seit 2020 ist Randzio als freiberuflicher Tänzer, Choreograf und Schauspieler in Berlin und Kärnten tätig. Sein Werk "Die schlaflose Welt", basierend auf Stefan Zweigs Essay, wurde im Juli 2023 in Klagenfurt und im August 2023 in Berlin uraufgeführt. Weitere Infos unter borisrandzio.com.

Das Samir Amarouch Music Players Environment wurde im Jahr 2023 von Samir Amarouch gegründet. Dem Projekt zufolge bringt S.A.M.PL.E. Performer, Lichtdesigner, Musiker und Tänzer zusammen, um eine Gesamtvision zu verteidigen und neue Räume für zeitgenössisches Hören zu schaffen.

Mitwirkende
Ambre Vuillermoz (Akkordion)
Elena Soussi (Klavier, Wurlitzer)
Vladimir Babinchuk Outerelo (Tanz • Solist)
Antoine Dupuy Larbre (Tanz)
Eleni Roberts (Tanz)

Licht Design: Ana Bob

David Sakvarelidze, georgischer Theater- und Opernregisseur, Komponist und Kulturmanager, ist bekannt für die Transformation der georgischen Kulturszene. Ausgebildet in Tiflis, Mailand, London und New York, wurde er nach der Unabhängigkeit Georgiens zur Schlüsselfigur des georgischen Theaters. Mit der Gründung des Caucasian Theatre/Lab förderte er zeitgenössisches Schreiben und entwickelte eine neue Bühnensprache. Zu seinen gefeierten Inszenierungen zählen Lysistrata und Mouth Open.

Er revolutionierte die Oper in Georgien, führte mit Peris Euridice die frühe Musik ein und inszenierte Klassiker wie La Traviata und Rigoletto. International arbeitete er mit der English National Opera und dem Piccolo Teatro di Milano. Als Generaldirektor der Staatlichen Oper Tiflis modernisierte er das Management und die Arbeitsmethoden des georgischen Theaters.

2017 gründete er das Tsinandali Festival und das Pan Caucasian Youth Orchestra, um junge Talente aus der Region zu fördern. Zudem leitet er das Sokhumi-Staatstheater für Geflüchtete und ist Präsident des georgischen UNESCO-Theaterinstituts. Er wurde mit dem Georgischen Präsidentenorden für Exzellenz ausgezeichnet.

Scale ist ein in Frankreich ansässiges Kollektiv von Kreativen aus verschiedenen beruflichen und künstlerischen Bereichen, die sich durch eine gemeinsame Leidenschaft für die Schaffung einzigartiger Werke verbinden. Keiner der Mitglieder hat eine formale Kunstschule-Ausbildung, aber das Kollektiv zeichnet sich durch seine technische Expertise, insbesondere in den Bereichen Kabel, Löttechnik und Technologie, aus. Scale lässt sich von zeitgenössischer Kunst ebenso wie von Popkultur inspirieren, darunter Einflüsse aus Star Wars, Videospielen und moderner Kunst. Das Kollektiv untersucht Themen wie das Zusammenspiel von Musik und visuellen Elementen, Licht und Architektur, Natur und Technologie sowie Mensch und Maschine. Durch ihre Multimedia-Installationen verbindet Scale Motion Design, Robotik, LED-Design, Programmierung und Interaktivität, um sensorische, innovative und verspielte Werke zu schaffen. Ihr Fokus liegt darauf, Kunst zu schaffen, die sowohl fesselnd als auch für ein breites Publikum zugänglich ist, und dabei eine eigene Sprache zu entwickeln, die Kunst und Technologie vereint.

François Schwamborn (*1986 in Saarbrücken) arbeitet mit Licht, Video und Klang um großflächige Installationen in Ausstellungsräumen oder im öffentlichen Raum zu realisieren. Die Werke werden ortsspezifisch entwickelt, wodurch sie die Wahrnehmung der Umgebung verändern. 2005 absolvierte er sein deutsch-französisches Abitur am DFG in Saarbrücken und 2014 absolvierte er sein Studium im Fachbereich Media Arts und Design an der HBK Saar. Bis 2019 war er als Lehrbeauftragter an der HBK Saar tätig, wo er Videotechnik und Creative Coding Workshops gegeben hat. François Schwamborn war Projektleiter vom Rotationen Projekt zwischen 2015 und 2018. Seine wichtigsten Ausstellungen sind die Nominierung für den Robert-Schuman-Preis 2018, die Teilnahme an der Columina in Köln 2020/2023 und die Gruppen Ausstellung Panta Rhei in Köln 2022.

Das Anfang 2005 gegründete Folk Ensemble Shavnabada ist ein wichtiger Akteur auf dem Gebiet des georgischen mehrstimmigen Gesangs und stammt aus der pulsierenden Stadt Tiflis in Georgien. Unsere Aufgabe besteht seit der Gründung in der Erhaltung und Förderung des georgischen polyphonen Gesangs, der 2001 von der UNESCO als Meisterwerk des mündlichen immateriellen Kulturerbes der Menschheit anerkannt wurde.

Im Laufe der Jahre haben sich die Mitglieder von Shavnabada unermüdlich für die Wiederbelebung dieses kulturellen Schatzes eingesetzt und zahlreiche volkstümliche Meisterwerke wieder zum Leben erweckt. Unsere Reise führte uns auf Expeditionen durch verschiedene Regionen Georgiens, wo wir verborgene Musikstücke entdeckten und diese zeitlosen Lieder sowohl lokal als auch auf internationalen Bühnen präsentierten.

Shavnabada hat über 10 Audioalben produziert, die eine Mischung aus georgischer mehrstimmiger Volksmusik und pädagogischen Ausgaben traditioneller georgischer Gesänge enthalten.

Valentin Silvestrov ist der wohl prominenteste Komponist der Ukraine. Sein Schaffen hat, vor allem in den letzten Jahrzehnten, viel Aufmerksamkeit bekommen, und dies nicht nur in Europa. Einen nicht geringen Anteil an seiner Bekanntheit haben zahlreiche Plattenaufnahmen, die auf dem in München angesiedelten Label ECM veröffentlicht wurden.

Silvestrov wurde 1937 in Kiew geboren; am 30. September feiert er seinen 85. Geburtstag. Seine Heimatstadt Kiew wollte er auch mit dem Beginn des Ukraine-Kriegs nicht verlassen, ließ sich aber von besorgten Freunden zur Emigration überreden. Seitdem lebt er in Berlin.

Als junger Mann orientierte sich Silvestrov an der westlichen Avantgarde, was ihm in der Sowjetunion Probleme einhandelte. Die Musik, die er in den letzten Jahrzehnten geschrieben hat, wurde auch von ihm selbst als „Metamusik“ bezeichnet – als Musik über Musik, die über etwas längst Vergangenes meditiert, stets oder zumindest meist auf tonaler Basis. Gleichwohl hat Silvestrovs aktuelle Kompositionsweise mit „New Age“ nichts zu tun.

2022 wurde Silvestrov für sein Lebenswerk mit dem „OPUS Klassik 2022“ ausgezeichnet. 

David Skudlik ist Kulturunternehmer und lebt in München. Als Sohn eines Musikers und einer Autorin ist er schon sein ganzes Leben mit verschiedenen Kunstformen in Kontakt. Seit 2013 bietet seine Digitalagentur David’s Dearest Website-Design und Social Media Management an, berät Kulturschaffende und -institutionen zu Digitalthemen und veranstaltet bzw. kuratiert Konzerte und Events. Bereits während seiner Schulzeit gründete David das Accessoire-Label RAPHAEL ROGGENDORF mit und startete im Studium eine Künstleragentur. Er schloss das Bachelorstudium Kultur- und Medienmanagement an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg ab und ist außerdem Alumni der Global Shapers der Weltwirtschaftsforums und von Sandbox. 

Das Sokhumi Staatliche Dramatische Theater wurde 1885 in der malerischen Küstenstadt Sokhumi in Abchasien, einer der ältesten und schönsten Regionen Georgiens, gegründet. Abchasien ist Teil des legendären antiken Kolchis, Heimat von Medea und den Argonauten.

Seit seiner Gründung unterbrach das Theater nur einmal seine Arbeit: 1993, während des blutigen Krieges in Abchasien, als die russische Armee die Region besetzte und die georgische Bevölkerung vertrieb. Dies führte zu 400.000 Binnenvertriebenen in Georgien.

Die Theatertruppe setzte ihre Arbeit im Exil in Tiflis fort, trotz schwieriger Lebensbedingungen. Ihre Aufführungen, geprägt von Frieden, Liebe und Menschlichkeit, spiegelten die Tragödien ihrer Mitglieder wider, von denen viele Familienangehörige im Krieg verloren.

Heute arbeitet eine neue Generation von Schauspielern in diesem Theater, das weiterhin von der Rückkehr in die Heimat träumt. Geprägt von Krieg und Vertreibung, hat das Ensemble ein einzigartiges moralisches Recht, Themen wie Frieden, Freiheit und Versöhnung auf die Bühne zu bringen.

Nika Bauman, Regie, Musik, Flöte
Sarah Maria Dragović, Stimme, Viola
Virna Kljaković, Klavier
Anna Barbara Bonatto, Regieassistenz, Tanz

Synesthetic Project ist ein multidisziplinäres Ensemble, das von der Musikerin und Regisseurin Nika Bauman geleitet wird und aus Musikern, Tänzern und bildenden Künstlern besteht. Mit Sitz in Wien, widmet sich das Ensemble der Erforschung neuer Ausdrucksformen im Musiktheater durch transdisziplinäres Storytelling.

Unter der dramaturgischen Leitung von Bauman fördert das Ensemble einen kollaborativen Ansatz bei der Kreation. Seit seiner Gründung im Jahr 2018 hat das Synesthetic Project in verschiedenen Formationen neun Theaterstücke geschaffen und sieben Videoarbeiten produziert.

Das Ensemble ist auf Festivals und in Spielstätten in Österreich, Deutschland, Irland und Kroatien aufgetreten und hat sowohl in Österreich als auch in Kroatien Förderungen und Unterstützung von den Kulturstadträten und -ministerien erhalten.

Sinfonische Dichte, homogener Gesamtklang, „kammermusikalische Intensität und Emotionalität“ (FAZ) – bereits kurz nach seiner Gründung wurden dem Trio Orelon diese Eigenschaften zugeschrieben.

Allein in den letzten zwei Jahren erspielte sich das Trio Orelon zahlreiche nationale und internationale Preise, darunter den ersten Preis und den Publikumspreis beim Internationaler Musikwettbewerb ARD in München, den ersten Preis und den Sonderpreis für die beste Interpretation des Auftragswerks beim „International Chamber Music Competition“ in Melbourne und den ersten Preis und den Sonderpreis für die beste Interpretation des Auftragswerks beim Wettbewerb „Schubert und die Musik der Moderne“ in Graz.

Darüber hinaus ist das Trio Preisträger bei Wettbewerben wie „Premio Trio di Trieste“, „ICM Pinerolo-Torino“, dem Schumann-Wettbewerb in Frankfurt und dem Mendelssohn-Wettbewerb in Berlin.

Das 2018 in Köln gegründete Klaviertrio Orelon verdankt seinen Namen der Weltsprache Esperanto, in der „Orelon“ schlicht „Ohr“ bedeutet, und damit die vielen Aspekte des Hörens in der Musik versinnbildlicht.

Zusammengefunden haben sich Violinistin Judith Stapf, Cellist Arnau Rovira i Bascompte und Pianist Marco Sanna an den Musikhochschulen in Köln und Berlin. Die Klaviertrio-Besetzung bietet ihnen die größtmögliche musikalische und auch menschliche Harmonie: Im Trio werfen die Drei einen neugierigen und dynamischen Blick auf die Werke ihrer Instrumentenkombination und verbinden diesen mit einer unbändigen Energie und Lust am differenzierten Ausdruck.

Francesco Tristano verkörpert das Motto „Musik ist Musik“ und verbindet mühelos klassische und elektronische Welten. Als Pianist, Komponist und Techno-Künstler erforscht er die Schnittstellen von Genres und Stilen und vereint dabei ein Publikum aus unterschiedlichsten Hintergründen. Sein Repertoire reicht von J.S. Bach, Frescobaldi und Strawinsky bis hin zu Kollaborationen mit Elektronik-Pionieren wie Carl Craig und Derrick May.

Seit seiner Zusammenarbeit mit Sony Classical ab 2017 konzentriert sich Tristano auf eigene Kompositionen, darunter Piano Circle Songs (2017) und Tokyo Stories (2019), inspiriert von Japan. Sein Album On Early Music (2022) schlägt eine Brücke zwischen Renaissance und Barock und enthält neben Werken von Frescobaldi und Gibbons auch eigene, barockinspirierte Stücke.

2023 gründete Tristano das Label intothefuture, um sich seinem Lebensprojekt zu widmen: der Aufnahme von Bachs Gesamtwerk. Die Englischen Suiten eröffneten dieses Projekt, 2024 folgen die Partiten. Ob in Konzertsälen oder bei elektronischen Festivals – Tristano definiert die Grenzen der Musik immer wieder neu.

Claire Trouilloud ist eine französische Sopranistin, die die vielfältigen Ästhetiken des Gesangs und der darstellenden Kunst erkundet. Sie tritt sowohl als Solistin als auch mit Ensembles in einem breiten Repertoire auf, das von klassischer, mittelalterlicher und barocker Musik über Jazz und zeitgenössische Kreationen bis hin zu Improvisation und Theater reicht. Als Absolventin des Konservatoriums in Straßburg verfügt sie über Abschlüsse in Jazz- und improvisierter Musik sowie im klassischen Gesang.

Für ihre Kreativität und Vielseitigkeit wurde Claire mit mehreren Preisen ausgezeichnet, darunter die Voix Nouvelles Akademie in Royaumont und der Soroptimist-Preis. Sie ist die treibende Kraft hinter zahlreichen musikalischen und theatralischen Projekten, in denen sie ihre facettenreichen stimmlichen Fähigkeiten zur Geltung bringt.

Ihre künstlerischen Kooperationen umfassen eine Vielzahl von Bereichen, von Komponisten bis zu Regisseuren und Choreografen, und sie hat mehrere Alben aufgenommen. Seit 2020 tritt Claire mit dem Ensemble De Caelis auf, das sich auf mittelalterliche und zeitgenössische Musik spezialisiert hat.

Hugo Van Rechem ist Violinist, Multi-Instrumentalist und Komponist, der Brücken zwischen zeitgenössischer Musik, elektronischem Pop und Jazz schlägt. Er erforscht und experimentiert mit kontrastreicher, innovativer Musik. 2013 gewann er während seines klassischen Musikstudiums am Konservatorium in Lille den „Spezialpreis der Jury“ und den „Publikumspreis“ beim Stéphane-Grappelli-International-Jazz-Violin-Wettbewerb, der von Didier Lockwood gefördert wurde.

Um sich auf improvisierte Musik zu spezialisieren, trat er 2014 in die Jazzabteilung des Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris ein, wo er 2019 seinen Masterabschluss machte.

Als Instrumentalist ist er Teil zahlreicher Projekte, von Jazz (Yessaï Karapetian Quintet, Orchestre National de Jazz, Yumi Ito) über Pop (Rising Cloud Orchestra) bis hin zu Theater (Petit Orchestre de Jouets, La Pieuvre) und minimalistischer/ambienter Musik (Ensemble Social Silence „Music for Airports revisited“).

Er ist Mitbegründer mehrerer Bands wie dem Prog-Rock-Quartett SCP-055 und dem Großensemble Ax√R + 15. Als Komponist erhielt er Aufträge von renommierten Ensembles und Festivals, darunter das Lucerne Festival, Ensemble Modern und Into the Open Music Festival.

Inspiriert von Komponisten wie Bastien David und Unsuk Chin sowie Künstlern wie Chris Thile und Bertrand Mandico, prägt seine Musik eine einzigartige Verbindung von Klangwelten und künstlerischer Vision.

Vladimir Varnava, zweifacher Gewinner des Preises der Goldenen Maske, scheint überall dazuzugehören, sei es in einem weltberühmten Opernhaus oder in einem unterirdischen Blackbox-Theater.

Im Laufe der Jahre hat Varnava Choreografien für amtierende Primaballerinen - Diana Vishneva, Natalia Osipova und Svetlana Zakharova - geschaffen und eng mit aufstrebenden Avantgarde-Tänzern zusammengearbeitet. Mit seinem ausgeprägten Sinn für Erfindungen inszeniert er seine Stücke zu Musik von Tschaikowsky bis zu den elektronischen Beats von Daft Punk.

Vladimir Varnava wurde international bekannt und arbeitete mit Sadler's Wells (London), dem Suzanne Dellal Centre (Tel-Aviv), dem Segerstrom Center for the Arts (Kalifornien), dem Hellerau - European Center for the Arts (Dresden), dem New York City Centre und Les Ballets de Monte-Carlo zusammen.

Varnava, der stets vor neuen Ideen strotzt, experimentiert gerne mit Genres und Konzepten: So kreierte er für die Rockband ShortParis eine Produktion mit bis zu hundert Tänzern, veranstaltete das allererste Galakonzert auf Instagram, das er Sacred Quarantine nannte, und trat in der berühmten Tretjakow-Galerie auf, wobei er sich von Vrubels Demon inspirieren ließ.

Das vision string quartet hat zehn Jahre nach seiner Gründung bereits musikalische Marksteine gesetzt und neue Klangfarben im internationalen Konzertgeschehen kreiert. Mit ihrer singulären Fähigkeit, zwischen dem  klassischen Streichquartett-Repertoire und eigenen Kompositionen aus Genres wie Folk, Pop, Rock, Funk und Minimal Music  zu  „wandeln“,  geben die vier visionären Künstler der Musikwelt  neue Impulse. Die Konzertformate  des  Quartetts  sind  innovativ  und  vielseitig: Neben den klassischen Konzerten gibt es Konzerte mit Eigenkompositionen und Arrangements aus Jazz & Pop und Konzerte in völliger Dunkelheit. Das vision string quartet, das sich zugleich als Band versteht, arbeitet mit Lichtdesignern zusammen, um ihren Auftritten weitere kreative Dimensionen zu verleihen. Die Musiker spielen das klassisch-romantische wie auch zeitgenössische Repertoire überwiegend auswendig. Die Noten nur vor den inneren Augen ermöglichen den Spielern interpretatorische Freiheiten und ein intensiveres Spiel. 

VukuvukuPhila! (Südafrika) ist ein Künstlerinnenduo, das 2022 von ivukuvuku und Philiswa Lila gegründet wurde. ivukuvuku, geboren als Chumani Bayulele Mantagna in Mgwenyane, Tsomo, Ostkap, Südafrika, ist eine interdisziplinäre Künstlerin mit einem B.A. in Bildender und Angewandter Kunst der Tshwane University of Technology. Philiswa Lila, Bildende Künstlerin und Forscherin, hat einen M.A. in Kunstgeschichte von der Rhodes University und einen Abschluss in Kuration von der University of Cape Town. Ihre Arbeiten verbinden Text, Sprache, Biografie, Klang, Installation und Performance, um Themen wie Erinnerung, Heilung, Gender, Gewalt, Liebe, Schmerz, Herkunft und Resilienz zu erforschen. Materialität und heilige Räume, in denen Natur und Vorfahren präsent sind, spielen eine zentrale Rolle. Ihre Werke, wie „A Bed Called Home“ und „EKHAYA: Kept Silence“, laden das Publikum zu einer emotionalen und spirituellen Erfahrung ein, die Raum, Positionierung und die Verbindung zwischen Mensch, Tier und Spiritualität betont.

„Ich lebe meine Identität als zeitgenössische Komponistin aus China mit einem wachen Blick auf die Verschränkungen von Politik, Kultur, Gesellschaft und Technologie und deren Konsequenzen. Darin suche ich eine kontrastreiche Verbindung meiner drei Werkzeuge, dem klassischen und erweiterten Instrumentarium Europas, der kritischen Auseinandersetzung mit meinem chinesischen Erbe und den aktuellen Möglichkeiten der Elektronik. Ich verwandle unsere heutige Welt, ihre Krisen und Tragödien, wie auch ihre Schönheit und Vielheit, in meiner Musik - in meinen Klängen steckt schreiende Kritik und genussvolle Bewunderung für sie.“

[ Ying WANG 王颖 ]

Die amerikanische Geigerin Claire Wells wuchs in einer musikalischen Familie auf und spielte seit ihrem dritten Lebensjahr sowohl Geige als auch Klavier. Wells war Gewinnerin des 1. Mendelssohn-Preises und des Preises der Kommission beim Felix Mendelssohn Bartholdy Wettbewerb 2021 und hat wichtige Preise beim Indianapolis International Competition, Mirecourt International Competition, Lynn Harrell Competition und vielen anderen gewonnen. Claire Wells studiert derzeit an der Kronberg Academy bei Mihaela Martin und erhielt Privatunterricht bei Brian Lewis, Sandy Yamamoto und Emanuel Borok. 2017 besuchte sie die Yehudi Menuhin School bei Lutsia Ibragimova. Im Jahr 2020 studierte Claire Wells bei Mihaela Martin an der Hochschule für Musik und Tanz Köln. 

Wells konzertierte bereits mit bedeutenden Orchestern wie dem Dallas Symphony Orchestra, dem Konzerthausorchester Berlin, dem Fort Worth Symphony Orchestra, dem Belgrade Philharmonic Orchestra, dem Jalisco Philharmonic, dem Shen Zhen Symphony Orchestra, dem Nancy Lyric Symphony Orchestra und dem Qingdao Symphony Orchestra, um nur einige zu nennen. Als leidenschaftliche Kammermusikerin hat Claire Wells mit bedeutenden Künstlern wie Nobuko Imai, Frans Helmerson, Christian Tetzlaff und Steven Isserlis zusammengearbeitet. Außerdem erhielt sie Unterricht von Künstlern wie Ana Chumachenco, Boris Kuschnir, Donald Weilerstein und Robert Levin. Claire Wells trat bei Festivals wie dem Kammermusikfestival Music@Menlo, Kronberg Academy Chamber Music Connects the World, Lac Leman Masterclasses, Tibor Varga Music Academy Masterclasses, dem Aspen Music Festival, Kronberg Academy Masterclasses und vielen anderen auf. Claire Wells spielt auf einem Giovanni Battista Guadagnini, einer Leihgabe eines großzügigen Spenders.

Geboren 1962 in Gelsenkirchen. Ausbildung am Figurentheaterkolleg (Deutsches Institut für Puppenspiel) in Bochum sowie an der Westfälischen Schauspielschule Bochum.

Ab 1985 ist er am Schauspiel Frankfurt engagiert. 1988 spielt er in Robert Wilsons Inszenierung von David Byrnes »The Forest«. Es folgt ein Engagement am Thalia Theater Hamburg, ab 1992 spielt Wuttke am Berliner Ensemble.

Bis heute steht er hier in der Titelrolle von Heiner Müllers Inszenierung von Bertolt Brechts »Der unaufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui« aus dem Jahre 1995 auf der Bühne. Von Januar bis Dezember 1995 übernimmt er kurzzeitig die Intendanz des Berliner Ensembles.

Ab 1999 spielt er vor allem an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz in Berlin, seit 2009 gehört er zum Ensemble des Wiener Burgtheaters. 1992 erhält er den Boy-Gobert-Preis der Körber Stiftung, 1995 wird ihm der Gertrud-Eysoldt-Ring verliehen. 1995 und 2003 wird er in der Kritikerumfrage des Theatermagazins „Theater heute“ zum Schauspieler des Jahres gewählt. Auch mit dem Nestroy-Theaterpreis (2010), dem Deutschen Theaterpreis „Der Faust“ (2011) sowie mit dem Stanislawski-Preis wird er ausgezeichnet.

Er erhält 2015 erneut den Nestroy Preis als bester Schauspieler für »John Gabriel Borkman», einer Inszenierung der Wiener Festwochen in Zusammenarbeit mit dem Burgtheater Wien.

Wuttke inszeniert auch selbst, z.B. 2006 einen Nietzsche/Zarathustra-Abend. Seit 1996 ist er Mitglied der Akademie der Künste Berlin.

In einer der letzten Volksbühneninszenierungen von Frank Castorf brilliert er als »Faust». Am Burgtheater Wien ist Martin Wuttke derzeit in den Produktionen »Hotel Strindberg« von Simon Stone und »Carol Reed» von René Pollesch zu sehen.

XTRO ist ein Ensemble, das vor allem neue Musik und zeitgenössische Werke schafft und aufführt, wobei theatrale Elemente und Tanz kombiniert werden. Gewinner des Grote Kamermuziekprijs 2021 (Publikums- und Jury-Preis), beeinflusst von minimaler, elektronischer und alternativer Musik, spricht das Ensemble alle Arten von Publikum an und regt die Fantasie in einer ätherischen Realität an, die aus musikalischer, visueller, dramaturgischer Kunst und Konzepten besteht. Seit 2019 hat Xtro als Performer, Produzenten und Komponisten mit einer neuen Generation von Komponisten zusammengearbeitet, darunter Nicholas Morrish, Charles Baumstark, Celia Swart und Patrick Ellis (um nur einige zu nennen).

Obwohl sie in den Niederlanden geboren wurden, hatte die Gruppe großen Erfolg bei Auftritten sowohl dort als auch in Italien und Portugal, darunter wichtige Auftritte bei Festivals wie der Gaudeamus Muziekweek, Festival Dag in de Branding, September Me, Mittelfest und November Music (unter anderem). Xtro, bestehend aus Antonio Bove, Gabriele Segantini und Miguel Varela, möchte durch Klang kommunizieren, schaffen und erleben und erforschen, welche Momente der Explosion, des Pulses und der Spannung das Publikum dazu bringen, neue Räume, Zeiten und Emotionen zu entdecken.

YoungWoman ist eine in Amsterdam lebende ägyptische DJane, Produzentin und Mitbegründerin des ersten T4T-Kollektivs in Amsterdam: Los Angles.

Mit ihren Sets, die sich anfühlen, als würde man einen Energydrink trinken und auf einer Achterbahn quer durch alle Genres fahren, wurde sie von den niederländischen Medien als eine der DJs bezeichnet, die man im Auge behalten sollte.

Diese explosive Energie kombiniert mit einer erfrischenden und unwiderstehlichen Verspieltheit hinter den Decks hat das Publikum auf Festivals wie Rewire und Down The Rabbit Hole, in Clubs wie De School und Garage Noord und bei ihren Residencies bei Oroko Radio, Echobox Radio und RadioRadioFm begeistert.

Der Tänzer Germain Zambi hatte schon in jungen Jahren die Möglichkeit zu reisen, wodurch er viele Kulturen kennenlernte und sich von verschiedenen Bewegungen inspirieren ließ. Er ist ein Krump-Tänzer, der als Jr Sniper bekannt ist. 2012 entdeckte er den Hip-Hop und seine persönliche Forschung wird von verschiedenen urbanen Tänzen inspiriert, aber nicht nur, weil er für alle Tänze empfänglich ist. 2019 bat ihn der Choreograf David Drouard, sich seiner Kompanie D.A.D.R Cie für die Kreation der Show Mu auf nationaler Tournee anzuschließen. Er wurde auch für die Battle Opera im Jahr 2020 ausgewählt. er hat eine Reihe von Auszeichnungen: World of Dance Gewinner in allen Stilrichtungen. Gewinner der Illest Battle internationalen Krump-Meisterschaft 2021, 2x Champion in der „Kill off“-Kategorie Battle DSY Night, Battle Beat Dance Contest, Finalist des fusion concept... Er schloss sich 2020 der Cie delit de façade für die Kreation der Show „A taille humaine“ an, dann 2021 dem Projekt des Kontrabassisten Florentin Ginot „Tote Bäume geben keinen Schutz“, derzeit kreiert er mit der Choreografin Amala Dianor das Stück „DUB“.

Die Komponistin, Musikforscherin und Performerin Raimonda Žiūkaitė wurde 1991 im litauischen Vilnius geboren. Dort begann sie bei Ričardas Kabelis auch ihr Kompositionsstudium, das sie ausserdem zu Detlev Müller-Siemens nach Wien und zu Achim Bornhoeft nach Salzburg führte. 2020 promovierte sie an der Litauischen Akademie für Musik und Theater. Derzeit studiert sie an der Berliner Universität der Künste Komposition mit dem Schwerpunkt experimentelles Musiktheater. Ihr Schaffen umfasst neben der Kurzoper Salz ist mein Erbe Orchesterwerke, Kammer- und Solomusik sowie elektronische Stücke. Žiūkaitė, die 2021 mit einem Jahresstipendium des Landes Salzburg ausgezeichnet wurde, ist auch mit theatralen Performances zu erleben und entwickelt gemeinsam mit bildenden Künstler*innen audiovisuelle Installationen, die u. a. bei den Darmstädter Ferienkursen und am ZKM Karlsruhe zu sehen waren.